Colección en escena #5. Fetiche: Conversaciones Materiales

Bajo cinco ejes principales, se concibe al ‘fetiche’ como un término sombrilla que abarca ideas y objetos en las márgenes de la norma, lo aceptado o lo racional. Ya sea como sinónimo de ídolo religioso, como objeto de deseo sexual desmedido o como elemento de valor socialmente percibido, ‘fetiche’ reúne bajo un único concepto el limbo entre devoción y materialidad, deseo y poder, magia y artificio, tótem y amuleto, construcción social de valor y apreciación individual del mismo. De este modo, esta exposición permite reflexionar frente a nuestras relaciones con la materialidad que nos rodea.

• Esta exposición contextualiza más de 35 obras bajo las categorías ‘Mirar al vacío’, ‘Astralidad – Ancestralidad’, ‘Alquimia’, ‘Animismo / Espiritismo’ y ‘Pasión / Pulsión’. 
• Cada sección navega el concepto de ‘fetiche’, palabra con orígenes diversos en el latín, de la lengua pidgin africana, del portugués y del francés; y puede comprenderse como aquel deseo, atracción o excesiva veneración hacia un objeto o persona. Además, cuenta con dimensiones filosóficas, sociales, eróticas y religiosas que aún hoy presentan tensiones en el mundo contemporáneo.
• La muestra junta las obras de reconocidos artistas modernos y contemporáneos con el fin de establecer diálogos que, aún insertados en las corrientes artísticas marcadas por el racionalismo y escepticismo, características propias del arte moderno, abordan el acto creativo desde la pulsión de lo esotérico, oculto y ancestral.
• La Colección en Escena #5 es la quinta de una serie de exposiciones que busca investigar, conservar, divulgar y hacer asequible la colección del Museo. El objetivo principal es construir discursos alternativos que permitan una interpretación de las obras más allá de sus narrativas visuales, enriqueciendo los relatos tradicionalmente cronológicos con conceptos y temáticas innovadoras.
• ‘Colección en escena #5. Fetiche: conversaciones materiales’ enfatiza obras de los Salones Intercol, Atenas y las Bienales de Bogotá, aquellos proyectos expositivos encabezados por el MAMBO que no sólo introdujeron nuevos nombres a la escena artística, sino que incorporaron apuestas experimentales de difícil catalogación.

La muestra presenta un tejido de obras catalogadas bajo 5 conceptos que se entretejen en cada pieza. ‘Mirar al vacío’ representa las exploraciones formales artísticas relacionadas con el concepto de infinitud, o la perpetuidad de la absorta plenitud. De la mano de obras bidimensionales, con colores planos y figuras abstractas, esta sección permite el desprendimiento de la anécdota como un acto de mediación irreductible y mediador en la realidad actual.

Del mismo modo, la guía sagrada de las estrellas ha sido la inspiradora de soluciones espirituales, organizaciones sociales, religiones y hasta referentes geográficos desde el inicio de la historia de la humanidad. Es por ello que la idea de ‘Astralidad – Ancestralidad’ legitima las preocupaciones del hombre, evidencian las conexiones con lo celeste y lo primigenio, y abordan a través del misticismo las figuras y arquetipos heredados del pasado.

A través de materialidades como vidrio, acero, mármol o hierro, o bien que estén sustentados en un medio líquido, frágil o inquebrantable, en ‘Alquimia’ hay una confianza en la capacidad de diálogo de elemento, convicción en que la simple forma se transmuta con cada encarnación. Esta disciplina ocultista medieval practicada en Europa, China y Medio Oriente, operaba bajo la convicción de la transmutación de la materia y en la posibilidad de reconversión de cualquier elemento en metales preciosos.

Con la idea de que todos los objetos —naturales, como las montañas, los ríos y los animales; pero también culturales, como los elementos tecnológicos y cotidianos— tienen vida en tanto tienen alma, el ‘animismo’ y ‘espiritualidad’ sirven como referencia para entender cómo las dimensiones inmateriales del universo, habitadas por entidades intangibles, pueden incidir sobre la dimensión material que conocemos, habitada por cuerpos tangibles.

Por su parte, la ideas de ‘Pasión/Pulsión’, revela la tensión inherente entre los ámbitos de lo natural y lo social, mientras construyen un espacio de cuestionamiento para los propios prejuicios y percepciones acerca del impulso pasional. En miras de tener un panorama completo que trasciende de la exploración carnal de la sexualidad y los deseos, esta categoría invita al viaje introspectivo y revelador de las nuevas dimensiones que se han mantenido ocultas de nuestro propio ser.

Los artistas participantes en la exposición son: Susana Amundaraín (1958), Germán Botero (1946), Mauricio Calixto (1968), Antonio Igninio Caro (1952 – 2022), Francisco Klinger Carvalho (1966), John Castles (1946 – 2023), Marta Combariza (1955 – 2022), Leonel Góngora (1932 – 1999), Heinz Goll (1934 – 1999), Fabio González (1952), Álvaro Diego Gómez Campuzano (1956), Enrique Grau (1920 – 2004), Carlos Herrera (1976), Pedro Alcántara Herrán (1942), Luz Lizarazo (1966), Luis Luna (1958), Roberto Matta (1911 – 2002), Norman Mejía (1938-2012), Ana Claudia Múnera (1966), Sara Modiano (1951 – 2010), Armando Montoya (1956), Nadín Ospina (1960), Julián Posada (1963), Raquel Rabinovich (1929), Ofelia Rodríguez (1946 – 2023), Carlos Rojas (1933 – 1997), Carlos Torres (1955), Ronny Vayda (1954), Pablo Van Wong (1957 -2013), Hugo Zapata (1945) y Luis Fernando Zapata (1951 – 1994).