![<b><i>MEMÓRIAS DE ALAGAMENTO.</b></i> [Recuerdos inundados]. <b><i>UÝRA</b></i>](https://www.mambogota.com/wp-content/uploads/2025/03/Uyra_Piezas_2025-1_Banner_Web-copy-2-1.jpg)
— 01.06.2024
MEMÓRIAS DE ALAGAMENTO. [Recuerdos inundados]. UÝRA
Memórias de alagamento. [Recuerdos inundados /Flooded Memories] es la primera muestra institucional de la artista amazónica UÝRA, en la que el agua, la identidad y la resistencia se entrelazan en una narrativa que desafía la devastación ambiental y el desplazamiento forzado.
- El título de la exposición, Memorias de alagamento [Recuerdos inundados], evoca la capacidad del agua para recordar su cauce y aparecer incluso tras ser sepultada. En su obra, UÝRA explora cómo los cuerpos de agua conservan la memoria de los territorios y sus habitantes, conectando ríos amazónicos con cuencas hídricas urbanas que han sido contaminadas, desviadas o desaparecidas.
- En A porra da árvore (2019), A terra pelada (2018) y la serie Mil quase mortos (2018), UÝRA canaliza el lamento de la selva devastada por el extractivismo, denunciando la tala indiscriminada y la contaminación de los ríos en el contexto urbano de Manaos. Estas obras convierten a la naturaleza en testigo y portavoz de la crisis ambiental.
- Durante su residencia en Bogotá, la artista profundizó en el río San Francisco-Vicachá, una corriente de agua sepultada bajo la ciudad. De este proceso nace una reflexión sobre la historia compartida de comunidades indígenas desplazadas en Colombia y Brasil, estableciendo paralelismos entre la diáspora del pueblo Munduruku—al que UÝRA pertenece—y las luchas de los pueblos muiscas en la Sabana de Bogotá.
La exposición se estructura en tres movimientos: atravesar, reflejar y conectar. El agua atraviesa territorios y tiempos, reflejando las transformaciones del paisaje y de las sociedades, mientras sus cauces sirven como vínculo entre geografías, memorias y realidades multidimensionales.
A través de una práctica que fusiona biología, ecología indígena y performance, UÝRA reinterpreta la relación entre cuerpo y territorio. Su obra es un llamado a recuperar las voces silenciadas de la naturaleza y de las comunidades que han sido forzadas a desaparecer.
Seba Calfuqueo es une artista visual trans mapuche, cuya práctica se basa en la reflexión crítica sobre el orden colonial y sus efectos en las sociedades indígenas y globales. Como persona trans y no binaria, Calfuqueo explora las categorías de raza, género y clase social, abordando también problemáticas relacionadas con los conflictos territoriales y medioambientales. Su trabajo busca evidenciar las implicancias políticas, sociales y culturales de estas temáticas desde una perspectiva decolonial, utilizando su herencia cultural mapuche como punto de partida.
Su obra incluye instalación, cerámica, dibujo, fotografía, performance y video, disciplinas con las que explora las similitudes y diferencias culturales, así como los estereotipos que emergen en el cruce entre modos de pensamiento indígenas y occidentalizados. Además, su trabajo visibiliza problemáticas vinculadas al feminismo y a las disidencias sexuales, fomentando un diálogo crítico con el espectador.
Calfuqueo ha expuesto su obra en importantes espacios a nivel nacional e internacional. Su obra es parte de la colección TATE Modern (Inglaterra) Centre Pompidou (Francia), Denver Art Museum (EE.UU) Museo MALBA (Argentina), Museo Thyssen-Bornemisza (España), Colección KADIST (Francia), Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul – MAC RS (Brasil), Museo Nacional de Bellas Artes (Chile) y MAC (Chile).
Ha participado como artista invitada de la Bienal de Venecia (2024), Bienal del Whitney (2024), 34th Bienal de São Paulo (2021), 12th Bienal de Mercosur (2020) y 22th Bienal Paiz (2020).
Ganadora de los premios de la Fundación FAVA en 2018, Eyebeam’s Fractal Fellowships Program en 2020, Fundación Ama Amoedo’a FAARA en 2023 y el premio Cuervo en Zona Maco, 2024.
Desde una exploración biográfica que conecta lo personal con lo global, Seba Calfuqueo busca redefinir las nociones de identidad y generar un diálogo crítico que trascienda fronteras y desafíe paradigmas establecidos.
Cortesía de la artista
Crédito fotográfico: Juan Echeverria y Esteban Suárez (2022).
En 2016 y en el 2019, Viola fue reconocido como el mejor curador italiano por la revista Artribune. Así mismo, Viola fue Curador del Pabellón de Estonia en la 56 ava. versión de la Bienal de Arte en Venecia (Jaanus Samma, ‘NSFW- Not Suitable For Work. A Chairman’s Tale’, Palazzo Malipiero, Venice). Después, organizada en el Museo de las Ocupaciones y la Libertad en Tallin, Estonia; exposición enlistada entre las 15 mejores exposiciones del mundo en 2016 por el medio de comunicación Hyperallergic- voz americana líder en las perspectivas contemporáneas de arte y cultura. Su práctica curatorial ha estado enfocada en las experiencias y teorías relacionadas a los nuevos medios, performance y poéticas corporales, acerca de las cuales ha realizado varias publicaciones y conferencias. Sus escritos han sido publicados en diferentes medios internacionales como ArtForum, Exit Express y Flash Art. Ha trabajado con importantes artistas como Marina Abramović, Regina José Galindo, Francis Alÿs, ORLAN, Kimsooja, Carlos Martiel, Teresa Margolles, Amalia Pica, Carlos Garaicoa y Maria José Arjona, entre otros. Viola fue nombrado como Curador del Pabellón Italia 2022 para la 59. Esposizione d’Arte, La Biennale di Venezia, que se inaugurará el 23 de abril de 2022.
